Artista: ¿Cuál es la mejor manera de ver una pintura? - Mariela Scafati | #82

¿Qué es el concepto?

Introducción al concepto

• El concepto se describe como un modo de pensamiento, organización y vida que trasciende lo identitario.

• La artista invitada, María Lascapati, ha terminado su residencia en Colegium en Arévalo y su obra está vinculada a lo íntimo y colectivo.

La obra de María Lascapati

• Se menciona que la obra de Lascapati parece tener vida propia, saliéndose del bastidor tradicional.

• Ella utiliza sogas para sostener pinturas desde el techo, desafiando las convenciones sobre cómo debe verse una pintura.

Arte en Diálogo: Nueva Temporada

Presentación del programa

• Lorena Pérez Jácome presenta "Arte en Diálogo", un espacio impulsado por Arte Informado que explora el arte contemporáneo y sus múltiples facetas.

• Se invita a galeristas a participar y se anima a los oyentes a suscribirse y compartir el contenido del programa.

Galería invitada

• Esta semana se presenta la galería Luis Adelantado con la obra de Irma Álvarez Laviada; más información está disponible en la descripción del episodio.

Trayectoria de María Lascapati

Orígenes y formación

• María Lascapati nació en Bahía Blanca, donde estudió diseño gráfico y artes visuales antes de mudarse a Buenos Aires.

• Su llegada a Buenos Aires coincidió con ser preseleccionada para una beca Quitka, marcando un inicio significativo en su carrera artística.

Impacto de la beca Quitka

• La beca fue innovadora al incluir diversas disciplinas artísticas, no solo pintura; fomentó el aprendizaje comunitario entre artistas.

• Lascapati destaca que encontró comunidad y contradicciones durante su formación en Buenos Aires, lo cual fue crucial para su desarrollo artístico.

Taller Popular de Serigrafía

Fundación del taller

• En 2002, cofundó un taller popular de serigrafía tras participar en una asamblea popular post-crisis económica argentina (2001).

• El taller surgió como respuesta creativa durante una jornada cívica donde los vecinos comenzaron a imprimir camisetas con mensajes significativos.

Aprendizaje colectivo

• A través del taller, los participantes aprendieron sobre organización colectiva e hicieron uso del arte como medio para expresar memoria social e identidad comunitaria.

Marcha del Orgullo LGBT y el Arte Colectivo

Contexto de la Marcha

• La conversación se centra en la marcha del orgullo LGBT en Buenos Aires, donde se convocó a encuentros artísticos. Se busca alejarse de un colectivo cerrado con un número determinado de artistas.

• Se menciona una invitación a un festival de arte que llevó al grupo a identificarse con el concepto "quir", lo que marcó un punto de inflexión en su trayectoria artística.

Dualidad en la Obra Artística

• La artista aborda dos aspectos fundamentales: lo íntimo y lo colectivo, que pueden parecer antagónicos pero son esenciales para su carrera.

• A pesar de ser conocida por su trabajo en serigrafía, también es pintora; esto genera sorpresa entre quienes solo conocen una faceta de su obra.

Involucramiento Social y Educativo

• Desde sus inicios, ha estado involucrada en diversas actividades sociales y educativas, como organizar archivos o escenografías para teatro.

• Su compromiso con la educación se destaca, especialmente ante cambios legislativos que afectaron las condiciones laborales de los docentes.

La Relación con la Ropa y el Arte

Proceso Creativo

• La artista relata cómo comenzó a trabajar con ropa al reorganizar su armario, creando cuerpos visuales sin intención artística inicial.

• Este proceso espontáneo llevó a una performance reveladora donde utilizó camisetas del taller popular de serigrafía.

Evolución del Concepto Artístico

• Las ropas inicialmente guardadas fueron presentadas en un aula universitaria, transformándose gradualmente en una forma reconocida de performance.

• La acción performativa consistió en vestirse y desvestirse con múltiples camisetas, generando interés por parte del público.

La Pintura como Entidad Viva

Interacción entre Pintura y Cuerpo

• La artista describe cómo una pintura cobró vida al incorporar elementos personales como un chaleco, complicando el montaje e interacción física.

• Esta experiencia llevó a reflexionar sobre la naturaleza misma de la pintura y su relación con el cuerpo humano.

Investigación Artística

• El proceso creativo culminó en preguntas sobre los límites del arte: "¿Cuánto puede un cuadro?", iniciando así nuevas exploraciones sobre sustentabilidad y ataduras dentro del arte.

¿Cómo se relaciona el cuerpo con la obra artística?

La conexión entre el cuerpo y la obra

• Se menciona la necesidad de entender cómo los cuerpos se convierten en lienzos, explorando las dimensiones del cuerpo humano en la obra.

• El artista expresa que aunque disfruta bailar, no tiene habilidades formales como bailarina; su conexión con el cuerpo proviene más de la ropa y las identidades.

• Participar con serigrafistas cuir ha influido en su trabajo, permitiéndole explorar otras corporalidades y redescubrirse a sí mismo.

Definición de lo queer

• Se define lo queer como una forma de pensar el mundo desde un lugar desubicado, vinculado al juego y a un proceso creativo continuo.

• Lo queer no está limitado a una identidad específica; es un modo de pensamiento que abre posibilidades y desafía categorías establecidas.

¿Qué papel juegan los nudos en la obra?

Importancia de los nudos

• Una cita del artista destaca que sus obras surgen de preguntas generadas por la pintura, donde los nudos son cruciales para conectar elementos.

• Se introduce el Shibari, una técnica japonesa de bondage que combina estética y cuidado del cuerpo; se explica su evolución desde prácticas samuráis.

Exploración personal a través del Shibari

• El artista comparte su experiencia al vestir a otros como un acto delicado, sintiendo que cuidaba tanto a la pintura como al cuerpo involucrado.

• Comienza una investigación sobre prácticas relacionadas con el cuidado del cuerpo mientras explora imágenes de mujeres atadas, encontrando belleza en ello.

La práctica del Shibari: confianza y adrenalina

Primeras experiencias con Shibari

• La primera vez que usó cuerdas fue para experimentar cómo ver una pintura desde diferentes alturas; esto llevó a reflexionar sobre el espacio ideal para apreciar arte.

• A través de encuentros informales con un maestro, aprendió sobre Shibari sin solemnidad, enfatizando la importancia de la confianza y el cuidado en esta práctica.

Reflexiones sobre la Serigrafía y el Cuerpo

La Experiencia de Suspensión

• La narradora comparte su experiencia como serigrafista, donde comenzó a formar amistades y a experimentar con la suspensión, aprendiendo tanto a suspenderse como a atar a otros.

• Se menciona que la suspensión no le dolía; más bien, era una sensación de rendición y ligereza, lo que contrasta con su percepción habitual de su cuerpo.

Conexión entre Arte y Cuerpo

• A través del aprendizaje de la suspensión, se establece un vínculo entre el cuidado hacia sus obras y la manipulación del cuerpo, creando una relación íntima en el proceso artístico.

• La artista reflexiona sobre cómo sus pinturas comenzaron a representar personas cercanas, asignándoles nombres y colores específicos relacionados con cada individuo.

Creación de Obras Personalizadas

• Describe un proyecto para la Bienal de Berlín donde trabajó con 65 cuerpos (sus amigos), utilizando medidas específicas para crear bastidores personalizados.

• Se destaca el uso de cuerdas especiales para las obras; menciona que utiliza sogas de algodón o cáñamo, materiales que aportan una dimensión única al arte.

Comunidad y Maternidad

Descubrimiento Personal

• Durante su aprendizaje en nudos, se da cuenta de que muchas nuevas amistades son madres. Esto despierta en ella preguntas sobre su propia maternidad.

• Antes no había considerado seriamente ser madre; sin embargo, comienza a cuestionar sus ideas preconcebidas sobre lo que implica ser madre.

Decisión y Proceso Creativo

• Reflexiona sobre cómo decidió acompañar ese deseo maternal pese a no tener una vida ordenada. A los 47 años decide intentar ser madre.

• Aunque ha recibido comentarios sobre lo "maternal" en su obra, ella no se identifica con esa interpretación.

Intersección entre Arte y Maternidad

• Habla sobre cómo el acto de cuidar sus obras puede interpretarse como un acto maternal. Sin embargo, también vincula este cuidado al erotismo presente en su trabajo.

• Las obras son descritas como eróticas e invitan al espectador a jugar e interpretar múltiples significados: maternidad, misterio y erotismo coexisten en su arte.

Impacto de la Maternidad en el Arte

• Comenta que aunque ha habido cambios significativos tras convertirse en madre, estos ya estaban gestándose antes.

• Reconoce que es difícil identificar directamente cómo su rol como madre influye en sus obras actuales.

¿Cómo afecta la maternidad a la creatividad artística?

Cambios en la percepción y el proceso creativo

• La artista reflexiona sobre cómo ser madre puede cambiar sutilmente la forma en que se percibe el arte, aunque no siempre es evidente.

• Se menciona un "cambio de chip" en la manera de ver las cosas, sugiriendo que este cambio también podría influir en su obra artística.

• La gestión del tiempo como artista se vuelve más eficiente; ahora se siente más concentrada y menos propensa a procrastinar debido a sus responsabilidades como madre.

Proceso creativo y rutina

• La artista comparte que escucha Radio con VZ mientras trabaja, lo cual le permite mantenerse conectada con las noticias durante su proceso creativo.

• Aunque prefiere tener la radio encendida, reconoce que puede ser pesado para quienes están cerca, como su asistente Diana.

Experiencia en Documenta 15

• El viaje a Alemania con su bebé fue complicado y estresante, pero enriquecedor por el intercambio cultural con otros artistas.

• Documenta 15 es una manifestación artística importante centrada en el trabajo comunitario y no individualista.

• La invitación al evento se basó en similitudes entre su modo de trabajo y el concepto de "lumb", relacionado con la redistribución comunitaria.

Desafíos sociales y políticos

• Durante Documenta 15, enfrentaron tensiones políticas significativas, incluyendo acusaciones de antisemitismo que afectaron el ambiente del evento.

• A pesar de los desafíos, lograron seguir trabajando en sus proyectos gracias a una redistribución consciente del presupuesto.

Reflexiones finales sobre Documenta 15

• La experiencia dejó un sabor amargo debido a las tensiones sociales actuales; refleja una polarización creciente en el mundo contemporáneo.

• Se destaca la importancia de continuar uniendo esfuerzos artísticos para crear espacios inclusivos donde todos puedan convivir.

¿Cómo el arte puede fomentar la conexión colectiva?

La importancia de compartir momentos

• El artista destaca que no hay nada más político que luchar por sentirse bien, enfatizando la relevancia de los encuentros y compartir comida como una forma de resistencia.

• Se menciona la necesidad de mantener alianzas y realizar acciones simples, como encontrarse con otros, en un contexto donde las políticas actuales fomentan el aislamiento.

Percepción del arte

• Se plantea la pregunta sobre cómo le gustaría al artista que su obra fuera percibida por los espectadores, buscando provocar sonrisas y comentarios positivos.

• El artista expresa que no busca controlar lo que piensan los demás sobre su trabajo; valora más las reacciones espontáneas y personales del público.

Impacto en la educación artística

• Se comparte una experiencia gratificante cuando sus obras fueron replicadas por estudiantes en escuelas, lo cual superó sus expectativas iniciales.

• Este proceso de apropiación del arte por parte de los alumnos demuestra que su trabajo tiene un sentido profundo y significativo.

Experiencia en Arévalo

• El artista relata su residencia en Arévalo, destacando cómo este entorno rural le permitió desconectarse de su rutina habitual y experimentar un tiempo diferente.

• La interacción con oficios locales enriqueció su experiencia, permitiéndole conocer a artistas locales y aprender sobre sus prácticas.

Reflexiones sobre el aprendizaje artístico

• Al finalizar, se discute qué debería enseñarse en las escuelas de arte. El artista aboga por salir a la calle para tener experiencias reales fuera del aula.

• Se reflexiona sobre cómo muchos estudiantes pueden estar enfocados solo en ser docentes sin explorar plenamente el mundo del arte.

¿Cómo se define la identidad artística?

La asunción de ser artista

• La oradora comparte su experiencia personal al asumir su identidad como artista desde 1994, destacando que nunca sintió pudor en declararse como tal, a diferencia de sus compañeros.

• Se menciona que el reconocimiento de su rol artístico fue un hallazgo significativo y positivo en su vida.

Influencias y descubrimientos

• Habla sobre cómo pasaba su tiempo libre visitando museos, lo que le permitió conocer a artistas con trayectorias diversas y diferentes a las ideas preconcebidas que tenía sobre el arte.

• Reflexiona sobre la percepción del arte durante sus años escolares, donde sentía que era necesario estudiar mucho para poder crear una obra significativa.

Conexión entre arte y vida

• La oradora enfatiza la importancia de vincular el arte con la vida cotidiana, sugiriendo que esta conexión es esencial tanto para crear como para enseñar.

Consejos para jóvenes artistas

• Ofrece un consejo a los jóvenes artistas: disfrutar del proceso creativo y colaborar con amigos es fundamental. Resalta que pasarla bien es clave en el camino artístico.

Agradecimientos y cierre

• Se agradece a Mariela por compartir su tiempo y experiencias, así como por ser parte del colegio. También se menciona la importancia de las colaboraciones dentro de la red artística.